martes, 14 de marzo de 2017

HOMENAJEADOS DE NUESTROS CONCIERTOS GENERALES


Gonzalo Castellanos Yaumar

Nace en (Canoabo, estado Carabobo, Venezuela, 3 de junio de 1926) es un organista, compositor, y director de música académica venezolano, hermano menor de Evencio Castellanos.
Recibe las primeras lecciones de música a los seis años de su padre Pablo Castellanos Almenar y asistió a partir de 1940 a la Escuela Superior de Música José Ángel Lamas, donde fue su profesor de composición Vicente Emilio Sojo. En 1947 se le concede el título de Maestro Compositor por su Suite Caraqueña. En 1952 fue galardonado con el Premio Nacional de Música de Cámara por su "Fantasía cromática para órgano", y dos años después, el Premio Vicente Emilio Sojo por "Antelación e imitación fugaz".
Desde 1959 y hasta 1963 vivió en Europa, donde estudia dirección de orquesta con Sergiu Celibidache, instrumentación con Wesner Pierre y Jean Yves Daniel-Lesur, y asiste a las clases de análisis de Olivier Messiaen. A su regreso a Venezuela fue subdirector de la Coral Venezuela, Director de la Escuela de Música "Juan Manuel Olivares", fundador y director del coro de la Universidad Católica Andrés Bello y el director de la Orquesta Sinfónica Venezuela (1966-1978). En 1964 fundó el Collegium Musicum de Caracas. En 1990 recibió el premio más importante de Venezuela para los músicos, el Premio Nacional de Música.
Durante muchos años, Castellanos fue profesor de orquestación en la Escuela Superior de Música José Ángel Lamas. También fue Director de la Radio Nacional de Venezuela y director musical del Instituto Nacional de Cultura y Bellas Artes. La Universidad Central de Venezuela le otorgó un doctorado honorario.
Premios:
Premio Nacional de Música por su Suite caraqueña, 1947.
Premio Oficial de Música por su Fantasía cromática para órgano, 1952.
Premio Vicente Emilio Sojo, Medalla de Oro y Diploma de honor por Antelación e imitación fugaz, 1954.
Premio Nacional de Música por su Fantasía Sinfónica para piano y orquesta.
Premio Teresa Carreño por su Divertimento para once instrumentos, 1966.

HOMENAJEADOS DE NUESTROS CONCIERTOS GENERALES


Antonio Lauro 

Compositor y uno de los más importantes ejecutantes de la guitarra en Venezuela Nace en Ciudad Bolívar (Edo. Bolívar) el 3/8/1917
Muere en Caracas el 18/4/1986 . Fundó y dirigió conjuntos corales en diversos institutos de educación media tales como el liceo Fermín Toro, el liceo Luis Razetti y la Escuela Normal Gran Colombia. Su progenitor, Antonio Lauro Ventura, era un barbero y músico, nacido en Pizzo Calabri, Italia. Su madre, Armida Cutroneo, nacida en Marate un pueblo al sur de Italia, fue la inspiración para la pieza musical que lleva ese nombre: Armida. Los estudios musicales los realizó en Caracas en la Academia de Música y Declamación, donde fue discípulo de Vicente Emilio SojoJuan Bautista Plaza, Salvador Llamozas y Raúl Borges quien fue su maestro de guitarra entre 1930 y 1940. Debido a que carecía de recursos económicos con los cuales financiar sus estudios musicales, los tuvo que costear trabajando como guitarrista acompañante en los programas de la emisora de radio Broadcasting Caracas (actual Radio Caracas Radio). También fue integrante del Orfeón Lamas, donde musicalmente le tocaba hacer las veces del bajo. En 1935, creó un conjunto musical llamado Los Cantores del Trópico, en el que comenzó a destacar como compositor y arreglista, particularmente de piezas para guitarra. En 1940, al recibir su título de maestro compositor se dedicó formalmente a la creación musical.

En 1947, compuso una de sus primeras obras de importancia, el poema sinfónico con solistas y coro Cantaclaro, inspirado en la obra homónima de Rómulo Gallegos. A raíz del golpe de Estado del 24 de noviembre de 1948, fue encarcelado por sus vinculación con algunos dirigentes del partido Acción Democrática, permaneciendo 10 años en el destierro (1948-1958). Antonio Lauro es considerado como uno de los principales maestros latinoamericanos de la guitarra, contribuyendo además a ampliar de manera definitiva el repertorio universal de ese instrumento. Director de la Orquesta Sinfónica Venezuela, así como del trío Raúl Borges, compuso numerosas piezas para guitarra entre las cuales cabe destacar el vals Natalia, de fama internacional. En 1985, le fue otorgado el Premio Nacional de Música, en reconocimiento a su trayectoria y talento musical. Aunque existen pocos trabajos formales sobre la trascendencia de la vida y obra de Antonio Lauro, se han publicado algunos libros tales como Antonio Lauro, un músico total, de Alejandro Bruzual; y artículos en revistas especializadas como la Revista Nacional de Cultura (1953) y la Revista Musical de Venezuela (1986).

lunes, 6 de marzo de 2017

VALORES




Definición de valores: se puede definir valor a la cualidad específica de un sujeto o de un objeto, en la medida en que ésta es apreciada por el resto de personas de un entorno, es decir el valor colectivo que se le da a una persona, un objeto o incluso una cualidad, a través de la dialéctica objeto- sujeto.

De esta manera, según la naturaleza del colectivo y sus valores, estos se dividen en valores morales, sociales, económicos, espirituales, familiares, cívicos, y culturales.

Los cuales varían según la práctica de cada grupo. A pesar de que no existe una jerarquía de valores, ya que se les considera a todos igual de importantes y recíprocos, la sociedad sí ha llegado a identificarlos cómo cualidades positivas y necesarias para enriquecer las relaciones sociales, procurar la dignidad de cada miembro y mantener la armonía de ese colectivo específico.

Por ejemplo: el respeto que se tiene hacia los padres es un valor que no es entendido de la misma forma en otra parte del mundo. De igual manera sucede con el respeto hacia la mujer, cuyo valor deja mucho que desear en un gran número de países y en gran parte de la sociedad.

Valores morales: es muy probable que una gran cantidad de persona emplee la palabra “valor” para referirse a los valores morales, es decir, aquellas cualidades fundamentales que posee de un conjunto de individuo, en una sociedad determinada, a través de los cuales el hombre o la mujer pueden conservar su dignidad, procurando también la armonía y bienestar de todos los miembros de este colectivo humano.

No obstante, a pesar de que cada sociedad tiene en su cosmogonía una constelación de valores, cada individuo cuenta con la libertad y autonomía de escoger cuáles serán los valores más importantes que escogerá para guiar su vida.

Juan Manuel Hernández
Cátedra de Guitarra y Lenguaje Musical

martes, 21 de febrero de 2017

“CUADERNO DE INICIACIÓN AL PIANO CONTEMPORÁNEO” (CINPIC)



Un cordial saludo a toda la comunidad EEMMAL. En esta oportunidad, la primera que tengo por este medio, aprovecho para compartirles sobre un material muy interesante que me encontré hace unos años. Durante el “Taller de Grafías No Convencionales” realizado con la Mtra. Teresa Tamez en el mes de julio del año pasado me vino a la mente un método de iniciación a la música contemporánea enfocado en jóvenes estudiantes de piano, el cual había llamado mi atención. Hoy nuevamente lo recuerdo y encuentro pertinente compartirlo con ustedes.
Dicho método, titulado “Cuaderno de Iniciación al Piano Contemporáneo” (CINPIC), sigue una visión que los autores relacionan con obras como la colección Jatékók, del húngaro György Kurtág (explorada en el taller mencionado anteriormente), bajo la cual se apunta a ampliar la percepción de los jóvenes intérpretes hacia nuevas dimensiones musicales y estéticas desde la práctica en el instrumento.
A través de este interesante cuaderno, los niños y jóvenes tienen la oportunidad de explorar de manera accesible y didáctica los más frecuentes recursos utilizados en la música contemporánea para piano, como lo son la manipulación y preparación del interior del instrumento, clusters, diversidad en el uso del ritmo, el uso del pedal, el control del glissando, etc., pero siempre con un diseño que permite no sólo abordar estos aspectos técnicos, sino que, como es natural, pretende desarrollar la conexión con la música y poner a trabajar la imaginación, sólo que con otras sonoridades.
Hoy en día, el papel del profesor es fundamental para ampliar la perspectiva de los estudiantes y mitigar desde el comienzo los prejuicios que se van formando en cuanto a la música contemporánea. Por ende, métodos como el CINPIC pueden ser recursos interesantes que podemos explorar para  que nuestros estudiantes conozcan otro mundo de posibilidades en el salón de clases y en sus conciertos y así estos lenguajes no les sean ajenos ni en el presente ni en el futuro. Qué interesante sería que métodos como estos fuesen tan comunes como lo son el Thompson o el Bastien, pero queda de nosotros disponernos a explorarlos de manera pedagógica para llegar a transmitirlos a los estudiantes con la mayor eficacia posible.
Les comparto el link donde pueden conseguir el archivo.
http://www.tallersonoro.com/anterioresES/20/CINPIC.pdf

Ircia Fermín
Cátedra  de Piano


lunes, 13 de febrero de 2017

LA EEMMAL ES UN TERRITORIO DE CONVIVENCIA


Los efectos positivos de la música han sido estudiados  por años, uno primordial es la convivencia y la posibilidad de relacionarnos unos con los otros a través de ella.
En orquestas de otros países del mundo incluso de lenguas completamente distintas los músicos han llegado a convivir y poder comunicarse solo a través del lenguaje musical, entonces imaginemos cuan poderosa es la posibilidad de hacer música en grupos, aprenderla, vivirla y sentirla.
Cada una de las actividades que se promueven en la EEMMAL
, con conciencia o no de ello, facilitan este proceso de aprendizaje de la convivencia que inicia en la infancia y se afianza en la adolescencia, y significa que debe existir un marco de respeto mutuo y solidaridad recíproca; convivir implica el reconocimiento, respeto por la diversidad, la capacidad de las personas de entenderse, de valorar y aceptar las diferencias; los puntos de vista de otro y de otros.
Pero este conocimiento viene dado de cada una de nuestras experiencias, por
supuesto de los adultos y de cómo enseñamos a nuestros niños a manejar diversas situaciones que ponen en juego el hecho de convivir.
El coro, conciertos, ensayos y clases grupales son herramientas que permiten que se desarrollen las herramientas no solo para la resolución de problemas sino que además existe un trabajo en equipo, mejora en las relaciones interpersonales, respeto de las normas y comienza a verse el valor que se le da a cada persona.
Esta nota musical está dedicada a motivar como adultos, profesores y padres a nuestros niños a convivir y participar activamente de cada una de las actividades de la escuela con la inten
ción de cada vez proveerles de más herramientas para que sean seres humanos independientes emocionalmente, que saquen el máximo provecho de sus capacidades, valorando las de los demás, aceptando las críticas justas, superando sus dificultades y además tenga un alto nivel de autoconfianza, que son bases del talento en la ejecución de un instrumento.

Aquí algunos “tips” para que todos trabajemos dentro y fuera de la EEMMAL

Las cosas se solucionan conversándolas
Siempre debe haber respeto
En lo preferible, hay que evitar las discusiones (Preferible conversar, evitar discutir)
Saber disculparse (Reconocer y saber disculparse)
Fomentar el compartir
Generar actividades que los involucren a todos
Celebrar juntos los éxitos


Convivir en la EEMMAL no es solo parte del aprendizaje sino que también es una herramienta para el futuro!

Fátima Fernández 
Cátedra de Desarrollo Personal


jueves, 9 de febrero de 2017

LA MÚSICA COMO EL ARTE DEL INSTANTE

Para Vladimir Jankelevith “la música va a ser la expresión de una temporalidad planificada que invita a la esperanza y que actúa realmente en el mundo y en el que frente a la angustia del intervalo y de la infinitud, hay momentos de naturaleza enigmática e infinitesimal”, una lucha entre el estar y ser y el no estar y no ser del que la música es el medio y principal testigo. Es decir es un arte en el que queda a flor de piel la problemática existencial y en el que el famoso monólogo de Shakespeare en Hamlet toma mayor fuerza que en ningún otro arte. 

Están las dos posturas: la del planteamiento racionalista y otra que apuesta en pro de la intuición y que se escapa un poco del aprisionamiento academicista, pero en ambas el factor común ya sea razonando más que sintiendo o sintiendo más que razonando, es la temporalidad. Una temporalidad que toma su importancia a partir de la misma naturaleza sensorial del ser humano, limitada a cinco sentidos que perciben solo dos cosas: espacio (en sus tres dimensiones ancho, altura y profundidad) y el tiempo. Esto último es según Kant lo que determina nuestra realidad que de alguna forma podríamos llamar sensorial debido a que queda limitada a lo que nuestros sentidos son capaces de captar, por lo que cada realidad se hace de alguna forma personal debido a las realidades sensoriales de cada individuo.

A diferencia de artes como la pintura, la arquitectura y el cine en el que el discurso es mucho más homogéneo a través del tiempo. En la música debido a lo explicado anteriormente, arte en el que el instante es único e irrepetible, y en el que el intérprete posee un momento preciso e irrepetible, segundos, minutos que se van y no regresan, para realizar su interpretación ante un público o un jurado. Esta constantemente presente la verdadera importancia del tiempo; de ahí, deriva su poder para ahondar en cada ser humano, recordándonos nuestra finitud temporal y sensorial en el que cada momento de vida es un milagro y cada segundo de música es maravilloso. 

Miguel Castro
Profesor de Piano.  Acompaña al Coro I y II.

AFINACIÓN TEMPERADA

Si queremos hablar del sistema de Afinación Temperada o también llamado El Temperamento Igual debemos primero concretar a que llamamos afinación; siendo esta el proceso mediante el cual se puede retocar, corregir o mejorar algo y que en nuestro campo en específico tendría que ver directamente con el sonido y la intervención del mismo. Cuando afinamos buscamos profundizar en la calidad del sonido y más especí- ficamente en la amplitud de la onda, teniendo en cuenta que esta calidad debe cumplir con unos parámetros que están estipulados y que en muchos casos serán diferentes para cada instrumento o épocas puesto que los diferentes momentos históricos tuvieron cada uno su particular forma de afinar. 

Los sistemas de afinación son los encargados de estandarizar las reglas para lograr desarrollar diversos vínculos de frecuencia entre las vibraciones generadas por las notas que forman parte de una escala, estos vínculos también llamados distancias o intervalos serán designados por dicho sistema, ellos surgirán del comportamiento natural de las vibraciones de la nota, estarán influenciados de alguna manera por el sistema de afinación utilizado para generar la arquitectura necesaria dentro de la escala y su posterior utilización tonal.

 La afinación temperada o temperamento igual es uno de estos sistemas y en la actualidad el más utilizado por los instrumentistas de tradición occidental a nivel mundial. Ahora bien, el Temperamento Igual como su nombre lo dice hace alusión a una afinación igual en términos de distancia en todas las notas de la escala; los sistemas anteriores a este afinaban y disponían las notas de la escala según su distancia natural en el orden de la quinta justa y debido a la naturaleza de cada una de las notas y su frecuencia el circulo de quintas resultaba imperfecto y era complementado con un intervalo inconveniente en la serie para conseguir un orden en dicho sistema; además de esto existían distancias más pequeñas entre las notas llamadas comas que las diferenciaban individualmente y por lo tanto su comportamiento era completamente irregular y esto, sumaba un problema junto con los diferentes sistemas de afinación utilizados que diferían en instrumentistas hasta de la misma ciudad, generando problemas al momento de hacer música de forma grupal; dejando claro que para estos momentos donde nos ubicamos en el siglo XVIII la frecuencia para afinar el La como premisa del cual se despeja el resto de los intervalos no estaba unificada en el estándar actual de 440. Para comenzar a mejorar la forma de hacer música surge El Temperamento Igual, su premisa viene principalmente a definir el intervalo perfecto de la 8va y dividir exactamente las doce notas de la escala, dichas notas se generan directamente por la aplicación del circulo de quintas pero con la diferencia que la diferencia que se presenta en el sistema que generalmente es de una coma se elimina distribuyendo dicha anomalía en fracciones iguales las doce quintas, generando así la igualdad de altura entre las notas enarmónicas, que se deriva de la utilización de un solo tipo de semitono.

Así pues, en este sistema no existen comas, sino que el semitono temperado es el menor intervalo posible entre dos notas consecutivas; también existe un solo tipo de tono y de esta manera se unifica el criterio de la arquitectura de la escala dejando atrás la utilización de la tonalidad influenciada por el comportamiento individual de las alturas, generando un mismo patrón de construcción y permitiendo esto transposiciones exactas del mismo modelo (mayor o menor, respectivamente) a distancias que son múltiplos enteros del semitono temperado, con lo que se elimina cualquier diferencia interválica entre las notas de una escala y las de su modelo (por ejemplo: do mayor), al cambiar de tonalidad. Esta propiedad se considera una gran virtud desde el punto de vista práctico, aunque puede verse como un valor perdido respecto a los sistemas con distintos tipos de quinta, como el sistema justo, que tenían un color o carácter distinto dependiendo de la escala, después de fijar un origen para la afinación de las quintas. Por último, este sistema de afinación como ya se mencionó es el más utilizado en la traición de la música occidental desde aproximadamente el siglo XVIII hasta la actualidad, diferentes culturas y tradiciones utilizan sistemas que incluyen desde comas (distancias más pequeñas entre notas) hasta cuartos de tono y escalas con más de 12 notas respectivamente. 

El temperamento igual permitió definir parámetros exactos para la ejecución de música tanto individual como grupal; en la actualidad los instrumentos de teclado generalmente se encuentran afinados en este sistema, difiriendo solamente de la guía del La dependiendo de la época del instrumento, los instrumentos de cuerdas con trastes o sin ellos (guitarra, violín, etc.) son afinados en quitas al aire dentro del sistema temperado pero poseen la particularidad de poder ejecutar notas como las enarmónicas con diferentes colores o carácter puesto que el contacto con la cuerda es directo y se puede generar una vibración exacta de la nota. Existen infinidad de teorías antiguas sobre la afinación y los diferentes sistemas que surgen desde el descubrimiento de los primeros intervalos, el comportamiento de las notas y todos los supuestos que surgieron desde los primeros descubrimientos de los armónicos generaron una base teórica inmensa que aunque en la actualidad resulta olvidada y abandonada en la práctica, forma parte fundamental de lo que conocemos como la música académica occidental. 

 Elías Díaz
 Profesor de Piano Académico Y Piano en Música Popular.